TENDENCIAS RACIONALISTAS/ Nueva Abstracción Americana.

Su principal componente fue el estadounidense Frank Stella.

  

Es una vanguardia de grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal.

                             

                                                       Variación Sinjerli (Frank Stella)  


Esta corriente me parece fabulosa, llego a abrir nuevas puertas a renovar, y aunque en realidad siento que la mayoría son mejoras a las anteriores, en lo particular esta corriente se me hace despreocupada, como queriendo hacer sentir, mas que trasmitir la realidad igual a como la vemos, no se complica y simplifica las cosas, haciéndolas encajar perfectamente y sin encontrarles quizá ningún sentido, pero luce fresco y lleno de energía. 

Neoplasticismo.

Este ``ISMO`` me parece un poco simple, de cierta forma relacionado con el cubismo pero como que simplficado, La simplicidad de este lenguaje ha influido notablemente en la arquitectura y el diseño del siglo XX y en diversas tendencias de la abstracción.

De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.

                                                Cuadro nª 2 – composición (Piet Mondrian) 


                                            
                                                            Theo van Doesburg,

Constructivismo 1913/1920.

Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus.

                                           

 Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.

Suprematismo 1915/1919.

Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch.

Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos en las obras.

            

Creo que esta corriente nos ayuda a ver las artes plásticas  de manera diferente, nos ayuda a darnos cuenta que la pintura no tienen por qué ser una fiel copia de la realidad, que la perspectiva clásica  o la destreza técnica no tenían por qué ser los únicos objetivos del artista. Nos enseñó a buscar movimiento en la pintura, a plasmar la velocidad, a mostrar los objetos desde múltiples puntos de vista, a encortar el arte en lineas y formas que quizá no podríamos comprender.. 

Surrealismo 1924/1939.

El Surrealismo, en palabras de García de Carpi, “no sólo propició manifestaciones ajenas a la práctica convencional de la pintura y la escultura, como el collage, el fotomontaje o el objeto, sino que fue el primero, además, en lanzar a la palestra el tema del compromiso del arte”. Así, al estallar la Guerra Civil el Surrealismo se convierte en una de las gramáticas con las que vehicular el drama y los desastres de la contienda (Luis Fernández, Antonio Rodríguez Luna, Antoni García Lamolla o Miró), 

A mi parecer no hay mejor manera de expresase que mediante el arte y si este puede ayudar y fromar una revolucion para levatar la voz contra las guerras que mejor, de tal modo que la guerra se presenta como el escenario de su revolución, pero también provoca el exilio de numeroso artistas.

Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton.

El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente.

 Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos.

 Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.
        


 
Antes del nacimiento (Hans Arp)                                 

Dadaísmo 1915/1922.

En lo personal de mis ``Ismos`` favoritos, siento que es una especie de burla sarcástica de manera excepcional donde personas que tienen el don de hacer que las cosas se vean mas hermosas de lo que son expresan su sentir hacia lo que hacen otras personas con una simple capacidad monetaria que podía comprar buenos lugares de exhibición.  

El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época.

 El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp 

que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación.

 Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray. 

También viéndolo desde un punto de vista aun mas bello, es una forma de expresar que en cualquier parte se puede encontrar arte, que quizá trata mas del cristal con que se mire. todo invento todo objeto, tiene un porque, un para que, y sobre todo un proceso de pensamiento antes de crearse.

Expresionismo abstracto americano.

Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado.
 Un importantísimo elenco de artistas compone el grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que les distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y reconocimiento. El primero, el americano Jackson Pollock,

 creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable.

Otro artista reconocido fue Willem de Kooning.

La pintura de de Kooning puede compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más directo. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados, combinados con algunos tierras y sombras.

El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Consiguió un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían una y otra vez para contar un mensaje. Fue un artista obsesionado con el miedo, el miedo al tiempo, que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza. Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de contraste. Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color. 

                             

Futurismo 1909/1914.

El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni

Gino Severino


y Giacomo Balla.


 Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta.

Expresionismo 1905/1913.

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.





Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.